《水墨风光》：著名旅美画家查国钧的解构与重建，通往水墨当代主义的新架构

《水墨风光》：著名旅美画家查国钧的解构与重建，通往水墨当代主义的新架构

文/贺健

在查国钧的最新个展《水墨风光—水墨当代主义架构》中，我们看到的不仅是水墨材料的革新，更是一场关于视觉逻辑的重构。艺术家以四十余载跨文化实践为基底，将水墨从传统意象中解放，置入当代语法的框架中，重新追问“何为水墨的本质”。

从“画什么”到“怎么画”：水墨作为方法论

“齐白石画虾，墨汁滴下去，化开，勾几根线，虾就出来了，他是表现的。我反过来，把所有的线都去掉，只保留水墨本身的韵律，重新架构，进行当代变异，所以叫‘水墨风光’。”查国钧在访谈中直指其创作核心。

的确，走进展厅，观众首先注意到的并非具象的山川草木，而是水、墨、色在宣纸纤维中自主渗透、叠合所生成的“景深”。画面中几乎不见笔线勾勒的轮廓，取而代之的是墨色氤氲的层次、纸本残片拼贴的肌理，以及色彩如呼吸般在纸面延展的轨迹。艺术家将这一过程称为“水墨的架构”：它不再依附于物象叙事，而是回归到水与墨交互的物理属性，在可控与偶然之间捕捉材质本身的表达力。

“中国人为啥要用宣纸？因为它会化开。这种‘化开’本身就是语言。毛笔字为什么要一定要写在宣纸上才有味道？油画弄不出这个味道。”查国钧强调。在他的画面中，宣纸不仅是载体，更是共谋者：水的流动轨迹、墨的沉淀层次、乃至被刻意嵌入画面的残破纸片，皆成为构成画面的“基本单元”，并被赋予结构性的视觉重量，仿佛抽象绘画中的色块与平面，在虚实之间建立新的空间秩序。

舞台与画面：空间思维的跨维度转化

作为上海戏剧学院舞台美术专业的早期毕业生，查国钧始终注重画面中的“空间调度”。他坦言：“舞台美术训练让我习惯于在三维中思考构图。过去我们写生讲究中景、近景、远景，现在不一样了，我们有实物的空间，还有块面的大小，我们是靠实物来运转，这概念都不一样了。”

这一背景深刻影响了他的“水墨架构”。传统山水画的“三远法”在他笔下被解构为块面的碰撞、肌理的叠压与虚实的穿插。画面中那些仿佛偶然定格的水迹墨痕，实则是艺术家对时间与空间的理性控制：“我不断调适，择时定格”，如同导演在舞台上调度光影与人物，查国钧以水为媒、以墨为戏，在二维平面中构建出具有剧场感的“心理景观”。

当代性的诘问：为何需要“看不懂”的水墨？

面对“是否担心观众看不懂”的疑问，查国钧的回应从容且深刻：“当代艺术早已不必‘说明’什么。就像听音乐，你不需要听懂《百鸟朝凤》里的每只鸟究竟在唱些什么，觉得好听，就够了。”他的作品邀请观众放下对“像什么”的执念，转而感受水墨本身的韵律与美感。这种解放，正是水墨走向当代的必由之路。

在查国钧看来，水墨的当代转化，关键在于回归艺术的“本能”。他将此追溯至抽象艺术大师康定斯基对抽象艺术的定义：“康定斯基说过抽象艺术的本能，就是要回归艺术的本来面貌。点线面是绘画的三元素，那就要回归到这个三元素。”

当观众站在“青铜系列”作品前，被那些由宣纸拼贴、墨色积淀所模拟出的千年铜锈所触动时，所感知的已非物象本身，而是材质在时间中自然风化的生命感。“我喜欢青铜，正是因为它的美来自沧桑。青铜的颜色很好看，但非人为，全是自然风化出来的。”查国钧认为青铜的自然风化和水墨的自然渗化是相通的。

结语：在重构中抵达自由

查国钧的“水墨架构”，既是对媒介本体的实验，亦是对观看方式的革新。他摒弃了水墨长期承载的文学性叙事，却未背离其内核中的哲学观：似有若无、虚实相生。其笔下的水印所生发的形态，仿佛从画面深处生长而出，渐次延展为一种内在的水墨风光。

此次展览中的作品，无论是青铜意象中斑驳厚重的材质对话，还是其它系列极具音乐性的墨色节奏，皆向我们揭示：当代水墨的出路，或许正藏于对其生成逻辑的彻底解构，与对其物质性的虔诚回归之中。查国钧所架构的，实为“意在笔先”之大写意精神的当代延伸，它根植于水墨的内在逻辑，最终超越物象束缚，成就其自足之宇宙。

展览信息

《水墨风光——水墨当代主义架构》

地点：上海明圆美术馆上海市徐汇区复兴中路1199号A座

展期：10.31-11.07

艺术家简介

查国钧，1943年生于江苏昆山，1967年毕业于上海戏剧学院舞台设计专业，80年代赴美国明尼苏达大学、加拿大温尼伯大学任访问学者。现为职业画家，上海戏剧学院客座教授。其艺术实践长期聚焦于水墨材料的当代性转换，致力于在跨文化语境中重构水墨的视觉语法。